Os benefícios de programas comunitários Música Outreach (Compensações) sobre o Ensino de Instrumentos Musicais

&cópia; Peter Muir 2005
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Neste artigo eu exploro que a noção, com base na minha própria prática de ensino, que a presença regular na Comunidade Outreach Música Programas (Compensações) por estudantes de música pode ser de grande benefício para a aprendizagem de seus instrumentos musicais. Vou começar com uma descrição geral de um típico COMP.

O Programa de Extensão Musical na comunidade da aposentadoria de Briar verde

O Instituto de Música e Saúde vem executando um COMP desde Janeiro de 2000 no Green Briar Comunidade aposentadoria em Millbrook, Nova Iorque. Moradores são idosos em sua maioria bastante alto funcionamento, embora a maioria tem problemas médicos, muitos exibindo os primeiros sintomas de Alzheimer &'; s ou demência senil. A sessão de envolvimento típico dura cerca de 70 minutos. O IMH geralmente traz em cinco voluntários para um outreach, e muitas vezes mais de dez. O número de residentes que frequentam o alcance geralmente médias em torno de vinte.

A abordagem básica é a seguinte. Nós cantamos em grande parte do estilo mais velho Tin Pan Canções que são familiares aos residentes. Ajudantes incentivar os moradores a participar com o canto ea dança /movimento com eles sempre que necessário. Este não é um desempenho formal em qualquer sentido usual. Pelo contrário, o mais informal e descontraído a atmosfera, os moradores mais ativos tendem a tornar-se; e o mais activo dos residentes, a mais duradoura os benefícios da música. O efeito do processo de tomada de música é reforçada pelos voluntários que exercem tão direta e tão interativamente com os moradores quanto possível, de mãos dadas, fazer contato visual, etc. Os alcances são em grande parte não acompanhado musicalmente, apesar de instrumentos são utilizados em determinadas situações discutidas abaixo.

Não é o objetivo deste artigo discutir os benefícios de tais sessões sobre residentes, que, se feito corretamente, e com a intenção correta, são profundas. Estou em vez interessado no efeito sobre os voluntários, especificamente sobre a forma como tais outreaches pode beneficiar a reprodução desses instrumentos de aprendizagem (embora o canto redondo centro de proximidade, não jogar).

No momento da escrita, nós só tenho vindo a tomar os nossos alunos em uma base limitada para Green Briar, e embora os primeiros resultados são muito encorajadores e pretendemos estender o programa, a presente discussão é basicamente um documento de posição mais teórico /filosófica na abordagem do que com base em resultados experimentais. Vou começar por discutir, e colocando no seu contexto histórico, o estado atual da pedagogia instrumental mainstream como ele existe na América, e, tanto quanto sei, a maior parte do mundo ocidental, antes de ir para explorar outreaches como musicais podem ajudar a neutralizar um certo desequilíbrio inerente à pedagogia musical tradicional.

Traditional Music Instrument Pedagogia

Embora tenha raízes que são muito mais velhos, o ensino da música instrumental como a conhecemos hoje é realmente um produto da século dezenove. A estética do romantismo revolucionário trouxe consigo grandes mudanças na difusão de música erudita na Europa e América do Norte. A nova abordagem foi mais tipicamente reflete no aumento do concerto público, que entrou em sua própria na era romântica. O símbolo de este foi o virtuose instrumental em turnê, como Paganini no violino e Liszt no piano, que foram, juntamente com artistas de ópera de sucesso, os superstars musicais do dia. Romantismo glorificado esses artistas instrumentais de uma forma que nunca tinha sido antes. Ao fazê-lo, os artistas tornaram-se ricos e famosos, chegando através de sua turnê incessante, promoção bem, e pirotecnia-captura de ouvido, um público muito mais amplo do que nunca tinha sido disponível para o público de outros tempos.

Como virtuosismo instrumental adquiriu uma nova importância, pedagogia subiu à tona. Abastecido por uma nova tecnologia que reduziu drasticamente o custo e, portanto, a acessibilidade, a música de folha, e uma crescente, musicalmente alfabetizados classe média sedenta de aperfeiçoamento cultural, pedagogia tornou-se pela primeira vez um grande negócio no século XIX. Centenas de compositores criados materiais pedagógicos para quase todo tipo de instrumento que variou entre a mecânica de Czerny &'; s exercícios, para o domínio de Chopin &'; s etudes. A ênfase foi colocada sobre a técnica: as qualidades superiores de um desempenho — expressão, interpretação e assim por diante — poderia realmente apenas ser efetivamente adicionado após o trabalho tinha sido dominado mecanicamente. O que é conhecido como o “ vez mais com sentimento &"; escola.

Uma vez no lugar, esta filosofia dominava a paisagem pedagógica. É impressionante representado pela Figura 1, uma ilustração de um artigo de Aubertine Woodward Moore, intitulado, apropriadamente, “ De Fundação mecânica a Triumph Artístico, &"; que apareceu na revista educação musical mainstream americano The Etude em 1918. A “ Fundação mecânica e" do título é representado por pesados ​​máquinas industriais na parte inferior do morro, enquanto o “ Triumph Artístico &"; é retratado na parte superior por um castelo. Note-se que maiores qualidades que jogam (“ fraseado, &"; “ expressão, &"; “ interpretação &";) ocorrem perto do topo da colina, enquanto os aspectos Drudge de prática (“ a indústria, &"; “ exercícios diários, &" ; “ escalas &";) são colocados perto do fundo. Um outro ponto. Como você siga o caminho em zig-zag até o morro, você vai ver que se torna cada vez menos povoada. Este é um surpreendentemente honesto, se talvez inconsciente, a declaração de uma falha de design em todo o sistema: a maioria dos estudantes desistir de seus instrumentos. Em uma filosofia que perspectiva a aprendizagem como um instrumento — aqui, literalmente — uma luta difícil, apenas alguns chegar ao cume. E quando chegar ao cume é visto como o único objetivo de valor do empreendimento — o termo" Triumph Artístico &"; claramente vende-lo como um vencedor-leva-tudo caso — não chegar ao cume é vista (pelo aluno e professor) como um fracasso. Nesta visão darwiniana curiosidade de educação só os mais fortes sobrevivem. O resto cair no esquecimento

Seria na ï. Ve que sugerem que nada mudou na pedagogia de música uma vez que este artigo foi publicado. Métodos pedagógicos tradicionais são agora um pouco menos orientado tecnicamente e assustadoramente hegemônica do que já foi o caso. O que tem, creio eu, estimulado isso mudou mais do que qualquer outra coisa é o enfraquecimento apossar de música clássica nas sociedades ocidentais eo aumento correspondente da música americana vernáculo (jazz, blues, rock, etc.) no século XX, cuja popularidade espetacular através a sua divulgação nos meios de cultura tem deslocado a música clássica como a língua franca musical princípio da ocidental, e, mais recentemente, da sociedade global. Consequentemente, quando a média das crianças no início do século XXI decide tomar-se um instrumento que ele é mais provável que querem aprender Beatles do que Beethoven.

Enquanto a profissão de músico tem acomodado, tem feito apenas tão somente a contragosto. Leia através de edições antigas de qualquer revista pedagógica tradicional como The Etude, você vai ver como conservador que é, como protetor de “ bom &"; música (ou seja clássica) contra a ameaça percebida de estilos populares. A impressão geral é que a democratização do repertório e ampliação de reproduzir estilos no ensino da música é um completamente “ bottom-up &"; revolução, apenas relutantemente aceito pela velha guarda. Isso tem várias implicações de classe que não querem prosseguir aqui, a não ser para dizer que esse conservadorismo no ensino da música é uma refletida pela sociedade como um todo: todos os estilos vernaculares têm, quase por definição, começou como trabalhar música de classe, e têm geralmente ganhou aceitação geral somente após a tremenda resistência de cima.

A relutância de pedagogia musical para aceitar novos estilos é sintomático de um problema mais profundo. Por enquanto o foco do ensino da música mudou saudável longe de “ os poucos que podem tornar-se os músicos profissionais de amanhã &"; para “ o muitos que querem participar na música, &"; a filosofia de ensino da música não mudou: ele simplesmente suavizou suas arestas duras para acomodar as massas. Um estudante de aprender um instrumento ainda espera seu mestre para se concentrar na técnica, assim como ele teria feito um século atrás. A ênfase ainda está praticando escalas, jogando em sintonia, usando o dedilhado correto. Claro, há exceções individuais, mas esta ainda é a cultura geral

Deixe-me fazer uma distinção entre Música —. De capital M — ea música — pequena m. Usando a maiúsculas, Refiro-me às qualidades superiores que fazem música importante e vital: a criatividade, expressão e interpretação, as qualidades que são último a ser aplicado na pedagogia tradicional. Pelo pequeno m, refiro-me aos mais baixos, técnicos, qualidades. Uma criança que ocupa um instrumento faz isso como um meio de maior expressão, em outras palavras, Music. Em vez disso, o foco é sobre a técnica, a música. Não é de estranhar que tantas crianças desistir de seus instrumentos

Podemos resumir tudo isso dizendo o ponto de partida em pedagogia música é “. Acertar &" ;: em sintonia, dedos da mão direita, as notas certas. Isso, inevitavelmente, tem o efeito de tornar o aluno focar continuamente no, e se preocupar com este aspecto, i. e., a música e não a música. Ele cria um clima de medo, onde o aluno é incentivado a julgar a si mesmo constantemente por seus erros, e assumir que os outros — inicialmente seu professor, depois de uma audiência —. Estão fazendo o mesmo

O resultado disto é uma interioridade insalubre por parte do músico. Ele está se concentrando em si mesmo em seu desempenho, se preocupar com a forma como ele está sendo julgado: “ Como estou indo &"; “ O que é que eles pensam de mim &" ;. Esta auto-consciência é o início de toda fase de susto e é completamente contraproducente — todos executa pior quando nervoso. Portanto, ficamos com um paradoxo: ênfase excessiva na técnica de última instância, enfraquece técnica. O ensino de instrumentos musicais deve ser feito de uma maneira de diminuir a auto-consciência; em vez disso, agrava-lo, subcotando assim o que ele está tentando alcançar.

Os Benefícios da Comunidade evangelismo programas de música para música Estudantes

Se o problema central do ensino de instrumento música é a auto-consciência que engendra, sua solução é a adoção de outra consciência, para incentivar o aluno a colocar sua atenção no outro, em vez de em seu self. O Latin para o “ auto &"; é ego; para “ outro &"; é alter. Nós substituir o egoísmo com o altruísmo.

Assim, o aluno é incentivado a dirigir a sua música a alguém quando ele joga. Na sua forma mais simples, este processo é puramente mental, i. e., apenas imaginando a pessoa que está sendo jogado para. Mas a experiência é muito mais poderosa se a pessoa está no quarto com o jogador. Isto é evangelismo musical, onde em lugares como os idosos e' casas é tão valiosa, pois dá uma realidade física para o processo de dirigir para fora com a música.

No entanto, há mais envolvido do que isso. A situação de proximidade é particularmente útil para incentivar essa atitude por parte do músico visitar, muito mais do que dizer que dá um solo em um concerto, que, é claro, é muito mais provável a agravar um estudante &'; s temores de desempenho, em vez de aliviar eles. Existem várias razões pelas quais um alcance é a situação ideal para incentivar o altruísmo musical.

Em primeiro lugar, idosos em casa são muito menos crítica do que um concerto público tende a ser. Assim, muitos idosos em estabelecimentos como Green Briar são solitários e deprimidos. Os visitantes e fazer música são, portanto, quase sempre bem-vindos. Além disso, a experiência mostra que, como a condição física /mental dos moradores se deteriora eles se tornam mais carentes da música, e, assim, são cada vez menos crítico do que ouvem.

Em segundo lugar, o alcance é comum na natureza. Isso leva a pressão fora do aluno e, assim, ajuda a aliviar a ansiedade de desempenho, como trabalhar em grupo é mais fácil do que realizar a solo. Talvez ainda mais importante do que isso, em um alcance o público participa, bem como os artistas, cantando e dançando /movimento. Isso cria um clima de informalidade reconfortante para o aluno. Afinal, se os idosos, que na maioria dos casos não tiveram nenhum treinamento musical, não são auto-consciente sobre o seu envolvimento com a música, por que o aluno ser? Na verdade, uma extensão não é realmente uma situação de desempenho no sentido usual com uma demarcação clara entre artistas e público. A maioria das vezes as fronteiras são tênues. No Green Briar Tivemos até situações em que o /relacionamento performer público é invertida, quando um residente vai levar-nos com entusiasmo em uma canção que ele sabe melhor do que nós!

A terceira diferença entre e alcance e um concerto é que o aluno é incentivado a se relacionar com sua “ platéia &"; como indivíduos. Em um concerto, o público é anônimo para o performer. Ele não saberá a maioria dos ouvintes. Mesmo que ele faz, é extremamente difícil de se relacionar com todos eles ao mesmo tempo. Há muitos, e em qualquer caso, o abismo entre o público eo artista em um concerto padrão set-up ajuda a mal. Muitas vezes, em um teatro, por causa da brilhante iluminação de palco, é impossível para o performer mesmo para ver seu público, muito menos se relacionar com eles. Em uma situação de divulgação como a que no Green Briar não existem tais dificuldades, e onde as visitas são em uma base regular, os moradores se tornar conhecido para os voluntários, e vice-versa. Isto, junto com os números menores, e informalidade do ambiente, se torna mais fácil para os estudantes de se relacionar com os moradores. Para maximizar isso, recomendamos um contacto próximo e directo sempre que possível: mover tão perto do residente durante o processo de tomada de música como ele /ela vai permitir; tomar as suas mãos; . olhar em seus olhos (este último é particularmente importante)

Por último, outreaches são orientadas em torno de cantar, não em torno do estudante &'; s instrumento. Isto é importante por duas razões. Em primeiro lugar, verificou-se que os moradores tendem a parar de cantar quando os instrumentos são utilizados. Em vez disso, eles começam a ver a situação como uma performance, e uma distância formal é criada entre artistas e público, que funciona contra a criação de um clima de altruísmo. Em segundo lugar, cantando requer menos esforço por parte do aluno do que jogar. Como os moradores, o aluno pode “ &" apenas cantar; Quando joga seu instrumento por outro lado, ele é menos espontâneo como ele está constantemente se preocupar se ele tem a nota certa, se ele está em sintonia, etc.

Esses quatro fatores — os moradores &'; abordagem relativamente acrítica, o aspecto comunitário, relativo ao “ platéia &"; como indivíduos, e baseando a divulgação em torno do canto —. criar um ambiente único, onde o aluno é incentivado a usar sua música de forma altruísta

Traduzindo Outreach Filosofia em Instrumental Jogando

Atender outreaches musicais regulares é, no entanto , apenas uma primeira fase, para o objetivo final é o de traduzir a experiência altruísta de sensibilização para o estudante &'; s jogar instrumental. Isso acontece até certo ponto por osmose. Como o aluno torna-se mais altruísta inclinado com os alcances, os efeitos benéficos se tornará generalizado a todo o seu processo de tomada de música. Em última análise, o objetivo é ver todo o desempenho, de fato todas as tomadas de música, como uma extensão.

Este processo pode ser catalisada pela introdução gradual de jogo instrumental na divulgação. Eu dou um exemplo de minha experiência recente. Um estudante da trombeta 16 anos de idade é extremamente talentoso, mas tímido e auto-consciente sobre o seu processo de tomada de música em seu instrumento. Ele começou a vir regularmente para outreaches musicais, incluindo Verde Briar, com seu pai, que é o próprio altamente musical e encorajadora de seu filho adotar uma abordagem altruísta com o seu processo de tomada de música. No início, o filho estava relutante em fazer outra coisa senão cantar. Como sua identidade musical reforçado através dos alcances, no entanto, ele tornou-se gradualmente mais confiantes, embora ele ainda não estava disposto a jogar. Houve até um estágio intermediário, quando ele traria sua trombeta ao alcance mas não jogá-lo! Eventualmente, ele começou a jogar, para o deleite dos moradores. Recentemente, ele começou também tocar solos em concertos. Quando ele joga, ele o faz com notável confiança, com absolutamente nenhum vestígio de estágio susto. Como resultado seu jogo é extremamente criativo e expressivo. Em outras palavras, o processo de divulgação encorajou-o a fazer música ao invés de música, ea partir deste ponto de vista, ele é excepcional

Quando a atitude altruísta desenvolvido por meio de divulgação musical é integrado ao estudante &';. S de jogo , quais são os efeitos? Existem vários.
1. Reduzir a auto-crítica no aluno, naturalmente, faz com que todo o processo de ensino-música muito mais agradável e gratificante.
2. Práticos mostrar ao aluno que sua tomada de música pode ter um efeito positivo sobre o público. Isto dá o seu jogando um significado extra que normalmente não resultar de pedagogia regular. Sims 3. Os alunos que frequentam outreaches em uma base regular tendem a desenvolver excelentes habilidades auditivas por causa da ênfase em cantar. Isso pode ser reforçado por ficar com eles para tocar as músicas que eles cantam no evangelismo em seus instrumentos sem o uso de música escrita.
4. A atitude altruísta melhora técnica. Esse é o lado oposto do paradoxo discutido anteriormente que a técnica de priorização na música-aprendizagem em última análise, prejudica técnica, incentivando uma atitude de auto-crítica. Em contraste, quando o aluno pára de pensar auto-crítica, ele é capaz de dar do seu melhor em todos os sentidos, incluindo o
5 técnico.. No sentido mais geral, a adopção geral de uma atitude altruísta é uma meta mais desejável na educação e no desenvolvimento social do jovem

Conclusão

O processo explorada neste trabalho —. Freqüentando outreaches regulares musicais e aplicar a experiência para o jogo do estudante &'; s instrumento — é bem descrita no seguinte depoimento de um estudante clarinete quinze anos de idade em Ravensong Estúdio que participou de uma série de evangelismo de música no Green Briar:

Quando cheguei [ao evangelismo] pela primeira vez, percebi como eu estava com medo. Entramos numa sala pequena e ensolarada com um tanque de peixes, uma prateleira de revistas, e uma vista de uma sala de jantar que era muito amarelo. Havia um círculo de velhas senhoras e alguns homens de idade em cadeiras. . . Eu cantava baixinho em um canto, sentindo como se eu tivesse sido jogado sem aviso em água fria. Harsh como parecia na época, ele trabalhou. Eu lentamente perdi a timidez quando percebi que essas pessoas não estavam aqui para nos julgar. Uma vez eu esqueci se preocupar em estar certo, eu tornou-se mil vezes mais expressiva. Eu pensei que se eu pudesse aplicar esta liberdade recém-descoberta a minha forma de tocar clarinete não tão gasto, quanto melhor eu seria. Então eu lentamente começou a mudar. Eu levei mais riscos e tentou concentrar-se sobre o significado da música, as emoções se pretendia retratar, em vez de apenas notas na página. Eu tinha começado a compreender o propósito da música. Foi de repente muito mais fácil e muito mais divertido. . .I Melhoraram como músico e se tornou uma pessoa mais sensível.

Esta declaração levanta uma questão importante que é que outreaches pode, à primeira ser uma experiência intimidante para muitos estudantes. Por um lado, aqueles que aprendem instrumentos muitas vezes não são felizes em cantar. Há várias razões para isso, mas, basicamente, se um aluno é auto-consciente sobre sua forma de tocar, ele é provável que seja sobre o seu canto também. Mais uma razão para ir na divulgação! A experiência de muitos alunos é como a do estudante no depoimento: timidez, medo mesmo, no início, mas gradualmente ganhando confiança como o clima do alcance se torna mais familiar. Outra razão para os estudantes sendo intimidados em evangelismo é que o estado deteriorado de alguns dos residentes em uma casa pode ser assustador no começo, embora, como os alunos começam a se relacionar intimamente com os moradores, esta situação melhora. Fazemos encontrar alunos que se recusam a ir em outreach, por estas razões, mas a maioria são, em última instância favorável. Isto é particularmente verdade para as crianças mais jovens que estão em todos os sentidos menos auto-consciente do que aqueles em sua adolescência.

As notas de rodapé

1. Fevereiro 1918, p. 93.

2. Joyce Cameron, “ o papel da auto-estima na Aprendizagem, &"; nas continuações da Conferência Nacional de Piano Pedagogy 1990-1991 (Los Angeles: Conferência Nacional de Pedagogia Piano, 1991), 88.

3. Alguns trabalhos recentes, por exemplo, sublinhou a natureza geralmente terapêutico de altruísmo; Veja Richard L. Curwin, “ O Poder de Cura do Altruísmo, &"; Liderança Educação, novembro de 1993, 36-39; Também John Diamond, MD, a veneração da Vida: Através da doença para a Soul (Bloomingdale, IL: Enhancement Books, 2000), 4; Este último autor também debateu amplamente a utilização de altruísmo na música ; Veja realce da vida através da música. (Bloomingdale, IL: Enhancement Books, no prelo), passim

4. Depoimento sem data de Margeret McGovern na posse de autor Restaurant  .;